Bac Arts Plastiques

Le travail présenté en Arts plastiques doit permettre à l'élève d'exprimer ses connaissances, ses aptitudes à faire aboutir un véritable projet et d'analyser son travail. La prestation est donc orale. Ce qui est en jeu :

• - Son engagement dans le projet, sa conception personnelle (savoir faire une description analysée).
• - Etablir des relations avec les arts plastiques (vocabulaire spécifique, savoir identifier les moyens plastiques utilisés, faire la relations avec d'autres oeuvres et artistes) Vous trouverez le lien avec les mouvements de peintures sur ce blog.
• - Rendre compte de sa démarche, en étant capable d'avoir de la distance par rapport à l'oeuvre finie (recul, remise en question, analyse critique, capacité à communiquer ses propres hésitations et interrogations au fur et à mesure de l'élaboration du projet mais également une fois le projet abouti, réajustement de sa démarche en fonction des éléments non prévus, souplesse, sens de l'événement, notion d'aboutissement).
• - Connaissance des oeuvres obligatoires du programme : interrogation de 5 à 10 minutes.

L'enseignement de l'année de Terminale prend appui notamment sur les pratiques du XXème siècle, la « Présentation » y occupant une place importante au point d'être parfois l'objet principal de certaines démarches de création.

En relation avec cette problématique, un programme limitatif de trois questions renouvelables porte sur la mise en relation de trois œuvres importantes, choisies de manière à favoriser une étude approfondie de différents dispositifs de « présentation » (techniques, plastiques, symboliques et poétiques).

- l'aspect matériel de la présentation : le support, la nature, les matériaux et le format des œuvres ;

- tradition, rupture et renouvellements de la présentation : la tradition du cadre et du socle, ses ruptures et renouvellements contemporains ;

- les espaces de présentation de l'œuvre : l'inscription des œuvres dans un espace architectural ou naturel (privé ou public, institutionnel ou non ; pratiques de l'in situ) ;

- le statut de l'œuvre et présentation : le statut de la production ou de l'œuvre, sa reconnaissance artistique et ses éventuelles mises en question (« ready-made » ou création élaborée, caractère pérenne ou éphémère, unité ou éclatement des supports, etc.).

Présentation :

Elle est essentielle ! C'est une scénographie de votre travail. Soignez la présentation et justifiez la. Essayer de réfléchir à ce qu'elle peut apporter de plus à votre travail (adéquation entre la forme et le fond). Posez vous la question de savoir pourquoi vous utilisez tout l'espace de votre feuille, tout ou partie, le centre ou le haut, le bas ou le côté, pliée, coupée, comment vous reliez les panneaux entre eux, comment présenter votre sujet suivant une scénographie de l'espace, de la forme et de la couleur ou lumière, qu'est-ce qui fait image et raconte une histoire à plusieurs portes et sens. Donnez à voir du sens. Le Dossier : doit comprendre un ou des croquis, une documentation s'il y a lieu, les dix planches avec le nom de l'élève, le cachet de l'école et la signature du professeur, si vous en avez un, le tout dans un carton à dessin, à vos noms, prénoms et nom de l'école. Vidéos : Les candidats qui font une vidéo devront emmener avec eux leur ordinateur portable ainsi que leur CD non rewrittable, visé par le professeur, qui l'authentifie. Sont acceptés sur ordinateur : Tous les travaux filmés, fictions, reportages ou performance artistique- de 1 à 6 minutes. N'oubliez pas d'y mettre un titre, un générique et citez toutes vos source, même celles qui viennent d'internet. Le dossier devra donc comporter : outre le CD (à visionner sur place, apportez votre lecteur de CD ou votre PC), une sortie imprimées d'au moins une dizaine d'images permettant, en cas de problème de visionnage, de montrer et d'expliquer votre travail. Photographie : Les travaux photographiques peuvent être présentés sous un format raisin ou au minimum demi-raisin. Apprenez à présenter sur le plus grand format comme pour une exposition Sachez que c'est votre photo qui doit être mise en valeur. En principe, elle doit se suffire à elle-même. Mais vous pouvez également mettre en valeur vos photos par un prolongement de dessins, d'insertion d'objets ou tout autre médium (donc faire le choix d'une technique mixte) . En revanche soignez tout ce qui a trait à la photographie : cadrage, éclairage, sujet, angle de point de vue, netteté ou parti pris du flou (il faut le justifier et qu'il soit fait exprès), travail en couleur ou en noir et blanc, maitrise de l'outil de retouche photo, Photofiltre ou Photoshop ou Paintshop-Pro ou tout autre logiciel de retouche photo).

Durée totale de l'épreuve sur présentation du dossier : 30 minutes. Vous serez interrogé par un professeur qui fera office d' examinateur ou d'examinatrice.

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Téléchargements gratuits : Photofiltre se télécharge gratuitement. Sketchup sur google/plus (logiciel de construction en 3D pour ceux qui veulent faire du volume ou de l''architecture) Movie Maker pour ceux qui veulent faire un montage film, vidéo et photos mixées, avec quelques effets spéciaux et musique.

http://www.education.gouv.fr/pid25535/bulletin_officiel.html?cid_bo=84906

Épreuves diverses de  l'enseignement artistique

La liste des œuvres et des thèmes inscrits au programme de terminale (enseignements de spécialité en série littéraire, options facultatives toutes séries) pour l'année scolaire 2015-2016 et pour la session 2016 du baccalauréat est la suivante :

Arts plastiques - Enseignement de spécialité, série L

Gustave Courbet (1819-1877)

Né en 1819 à Ornans dans le Doubs, Gustave Courbet est un artiste français dont l'œuvre offre un exemple hors XXe siècle approprié à la compréhension du programme de terminale L.

Formé dans la mouvance préromantique, Gustave Courbet est adepte du Louvre où il étudie les maîtres, notamment ceux de l'école espagnole du XVIIe siècle comme Vélasquez, Ribera et Zurbaran. C'est à cette source qu'il puise. Pourtant, peintre insoumis et frondeur, Courbet est au cœur de l'effervescence artistique et politique. Sous l'impulsion de Jules Champfleury, il jette les bases de son propre style : le réalisme, saisi sous l'angle des idées politiques de l'époque.

Si Gustave Courbet n'a pas changé la peinture elle-même, il a radicalement fait évoluer le sujet et surtout la manière de peindre. Rares sont les artistes qui ont davantage que Courbet construit leur carrière en ayant recours à la stratégie du scandale. Au XIXe siècle, la peinture de Courbet se trouve au cœur d'une entrée dans l'âge démocratique de l'art. Aujourd'hui, l'œuvre de cet artiste permet de réévaluer les enjeux liés à la question de la modernité en art.

Marcel Duchamp (1887-1968)

Peintre, plasticien et homme de lettres, Marcel Duchamp transgresse très vite les coutumes et conceptions académiques, bouleverse l'art du XXe siècle et ouvre la voie aux démarches artistiques les plus audacieuses. Par son invention du ready-made, il confirme sa théorie de l'art comme art mental et s'inscrit dans la lignée des artistes dont le goût pour les questions d'esthétiques aboutit, dès 1970, à l'art conceptuel. Il est ainsi l'initiateur de nombreux courants artistiques de la seconde moitié du XXe siècle. Son influence est déterminante et son œuvre nécessaire à la compréhension de l'art dans notre société contemporaine.

Le monde est leur atelier : Ai Weiwei, Gabriel Orozco, Pascale Mhartine Tayou,

trois artistes contemporains extraoccidentaux. En s'appuyant sur des œuvres de ces trois artistes, l'objectif est de soutenir l'investigation de l'entrée de programme portant sur l'œuvre et le monde en focalisant sur « la tension entre la dimension locale et mondiale de l'œuvre, etc. » Il s'agit d'articuler cette approche précise à l'apport d'autres références dans la visée globale du programme qui interroge ce qu'est « faire œuvre ».

Ai Weiwei, Gabriel Orozco et Pascale Mhartine Tayou sont trois artistes extraoccidentaux. Circulant dans le monde, ils tirent parti des cultures, des lieux, des matériaux, des contextes, des arts de faire et de leurs possibles paradoxes. Ils en manipulent et confrontent à dessein les dimensions universelles et les stéréotypes, les natures savantes et populaires, les enracinements et les bouleversements. Ce sont les espaces d'élaboration et d'expérimentation de leurs démarches. La diversité caractérise leurs créations : pluralité des codes culturels et des symboles saisis, variété des domaines artistiques associés, multiplicité des techniques et des technologies sollicitées. À l'instar de nombre de leurs contemporains, ils provoquent des mutations dans les processus artistiques, qu'ils enrichissent de l'interculturalité. Ils proposent des hybridations entre des formes d'expression artistique ou des métissages entre des cultures locales et globalisées. Ils utilisent des médiums variés (dessin, peinture, photographie, vidéo, sculpture...) dans différentes situations (expositions, installations, in situ, réalisations monumentales, architecture, utilisation de réseaux sociaux, etc.).

Une sélection d'œuvres emblématiques de ces trois artistes pourra être opérée par chaque enseignant, afin de les mettre en relation en tenant compte de leurs dimensions formelles, techniques, symboliques et sémantiques, à partir des repères indiqués ci-après, sans pour autant devoir s'y limiter :

- exploitation artistique d'un lieu et de ses matériaux (physiques ou culturels) et adaptation d'une démarche de création à l'observation d'un environnement, d'une société ou d'une culture ;

- dépassement dans la pratique artistique des catégories en art et des possibles stéréotypes culturels (attendus folkloriques locaux, partis pris identitaires, ambiguïtés projetées sur le primitivisme, etc.) ;

- Rencontre et combinaison, recherche de dialogues et de réciprocités, entre des pratiques artistiques ou des éléments culturels enracinés localement et des notions d'art s'exerçant dans de vastes régions du monde (Afrique, Amériques, Asie, Europe, etc.) ;

- interrogation de modèles ou de canons artistiques hérités de dominations d'États, de sociétés, de valeurs ou de références culturelles sur d'autres ;

- élargissement des conceptions de l'œuvre et de l'artiste pour témoigner du monde dans sa globalisation et pour y agir en exerçant la liberté de création ;

- (...)

Arts plastiques - Option facultative toutes séries

Paolo Caliari, dit Véronèse  , fresques de la villa Barbaro à Maser (1560-1561)

Au-delà d'un dialogue entre la peinture et l'architecture, les fresques de la villa Barbaro témoignent de l'ambition de Véronèse d'instaurer une relation entre l'observateur et l'œuvre. Les séquences architecturales (vestibules, escaliers, galeries, passages en enfilade, espaces de réception et de vie, etc.) et le programme iconographique (thèmes mythologiques et religieux riches d'évocations narratives et bucoliques) organisent un vaste espace scénique. Le spectateur est stimulé pour être un observateur, mais il est aussi observé par les protagonistes des représentations. Insertion de l'image dans l'architecture, jeux sur les points de vue et les proportions, surgissements de personnages et ouvertures sur des espaces fictifs, déplacements, expérience temporelle des dispositifs narratifs, sont autant de modalités qui visent à englober le spectateur dans l'œuvre.

Bill Viola

En appui sur des œuvres de Bill Viola, le professeur soutiendra l'investigation de l'entrée de programme portant sur le statut de l'œuvre et présentation.

Mondialement reconnu, Bill Viola est aujourd'hui un des artistes majeurs de l'image électronique. Né en 1951, il a grandi à l'ère des premiers développements de l'art vidéo. Dès ses études et ses premiers travaux d'artiste, il privilégiait ce nouveau médium pour en explorer les multiples possibilités artistiques : captations de performances, mises en espace des images et des moniteurs vidéo, exploitation du potentiel plastique, sémantique, symbolique des projections sur de grandes surfaces, etc. Au moyen d'installations intimistes ou monumentales, ses créations interrogent le rapport au temps de l'œuvre et au réalisme des sensations, des émotions et des expériences. Sculptant le temps, bouleversant les perceptions, immergeant le spectateur, Bill Viola propose une relation différente aux images animées. Il en pousse notamment les conventions narratives pour rejoindre parfois l'idée de « tableaux animés». Il associe le visuel, le sonore et l'espace. Il tire parti des appareils et des technologies (caméras, optiques scientifiques, systèmes numériques, etc.), des formats et des qualités des écrans (miroirs, moniteurs multiples, rétroprojecteurs, etc.). Il joue de divers effets (ralentissements, grossissements, pétrifications, etc.). Nombre de ses créations ouvrent des dialogues entre la modernité du médium digital et un univers d'images s'inscrivant dans l'histoire de l'art.

Le professeur pourra sélectionner des œuvres parmi celles indiquées ci-après, à titre de repères, sans pour autant devoir s'y limiter :

- des bandes vidéo aux écrans plasma : The Reflecting Pool , 1977-79 ; Chott El-Djerid, 1979 ; Reverse Television - Portraits of Viewers, 1983-1984 ; Deserts, 1994 ; Walking on the Edge et The Encounter , 2012 ; The Dreamers, 2013 ;

- sculptures vidéo et installations : Heaven and Earth , 1992 ; The Sleepers, 1992 ; The Veiling, 1995 ; The Crossing , 1996 ; Going Forth By Day, 2002 ; The Tristan Project (Fire Woman et Tristan's Ascension), 2005 ;

- références aux grands maîtres : The Sleep of Reason , 1988 ; The Greeting, 1995 ; The Quintet of the Astonished , 2000.

Claes Oldenburg et Coosje Van Bruggen,

La bicyclette ensevelie, Parc de la Villette, Paris, 1990

La bicyclette ensevelie (Parc de la Villette, Paris, 1990) est emblématique du travail de cette figure du pop art, qui prend pour modèle des objets de grande consommation. Au-delà de la monumentalité de l'échelle de représentation proposée, cette sculpture a pour particularité de ne pas présenter la vision globale de l'objet mais de fractionner celle-ci en un jeu de cache-cache qui contraint le spectateur à une reconstruction mentale de l'image. Cette œuvre permet donc d'enrichir la question de la représentation de la banalité dans un dispositif de présentation singulier.

  Histoire des arts - Enseignement de spécialité, série L

Arts, ville, politique et société : L'Art Nouveau

Tour à tour moqué et consacré comme une étape de l'épopée des avant-gardes, l'Art Nouveau – qu'on l'appelle ainsi ou bien, selon les déclinaisons nationales, Modern Style, Modernismo, Jugendstil ou Secession – innove non seulement par son imagination formelle mais aussi par son inventivité technique, le rôle primordial qu'y jouent les arts décoratifs et appliqués, et la réponse qu'il apporte à l'évolution des sensibilités et modes de vie au tournant du XXe siècle : une évolution dont témoignent architecture, littérature, musique, photographie, cinéma naissant et arts de la scène, sans oublier la mode vestimentaire ou la chanson.

Trois axes organiseront une étude qui s'attachera, d'une part, à donner des repères sur les formes que prend ce mouvement artistique à travers l'Europe, avec ses artistes, manufactures et ateliers majeurs, et, d'autre part, à repérer ses avatars dans les objets du quotidien et bâtiments de proximité :

- centres européens de l'Art Nouveau : Barcelone, Bruxelles, Glasgow, Nancy, Vienne ;

- l'Art Nouveau, un art de vivre ;

- l'Art Nouveau à côté de chez soi.

Un artiste en son temps : Michelangelo Buonarroti (1475-1564) dit Michel-Ange, sculpteur, peintre, architecte, poète et humaniste

Questions et enjeux esthétiques : L'Ailleurs dans l'art

Présente dans la création plastique aussi bien qu'en littérature, dans les arts du spectacle, en cinéma ou en musique, la question de l'ailleurs permet par excellence de se livrer à une véritable histoire confluente des arts.

Cet ailleurs peut être, d'évidence, un exotisme, que celui-ci soit un orientalisme, un miroir de l'histoire ou un ressourcement primitiviste.

L'ailleurs peut se dissimuler sous la recherche nostalgique d'une époque révolue, traversant des âges antérieurs et, dès Winckelmann, les reconstruisant idéalement. Ce peut être nostalgie d'une spontanéité que les canons esthétiques enseignés ont fait perdre, et l'artiste se tourne alors vers l'art brut : les œuvres des enfants, l'art asilaire.

Enfin, questionner l'acculturation des arts exotiques incite à l'étude économique de la production et des voies commerciales, autant que les premières conditions d'expositions.

Des préoccupations récentes montrent l'actualité de cette question : une incompréhension relative, que reflètent les débats sur la muséographie ; l'intégration par l'Occident de thèmes et de motifs qui lui sont évidemment étrangers, par exemple dans des architectures spécifiques.

Se profile, finalement, l'éventualité que cet ailleurs disparaisse : soit que les pays émergents imposent leur propre culture, soit plus probablement que triomphent, dans une économie artistique mondialisée, un métissage et une hybridation qui restent à interroger.

  Histoire des arts - Option facultative toutes séries

Le patrimoine, des Sept Merveilles du monde à la Liste du patrimoine mondial : Le paysage depuis le milieu du XIXe siècle

Sans omettre de se référer aux origines du genre et à sa catégorisation à l'âge classique, on étudiera le devenir tant du paysage comme genre artistique que de l'art du paysage avec son influence sur l'architecture et l'urbanisme, en lien avec les transformations du paysage physique et l'évolution de sa perception.

Il conviendra particulièrement de questionner l'influence des révolutions industrielles et des colonialismes sur l'évolution du genre, le rôle du paysage dans l'éclosion de l'abstraction, le statut de la photographie de paysage, le sentiment du paysage dans l'art contemporain et la déclinaison de la notion de paysage dans les différents arts, en particulier la musique, depuis le Romantisme jusqu'à nos jours.

Création artistique et pratiques culturelles, de 1939 à nos jours : Scénographier l'art

La scénographie apparaît aujourd'hui comme un concept incontournable, et qui ne se circonscrit plus à l'espace scénique proprement dit : bien au contraire, l'art, quel qu'il soit et dans ses plus diverses manifestations, ne se présente guère à son public, désormais, que « scénographié ».

L'étude de ce concept passera donc par des rencontres, entre autres, de professionnels de la scène, des musées, de l'urbanisme, de l'événementiel et du marché de l'art. Elle s'articulera autour de trois problématiques :

- la scénographie, un art de l'interprétation ?

- muséographie et scénographie ;

- la scénographie de l'œuvre d'art dans l'espace public.

Divers thèmes possibles à travailler

Le flou :    
 Comment rendre le flou ? Dans différentes matières (crayon, fusain, peinture, voilages, papiers translucides, photographies...) qu'est ce qui est flou ? la frontière, l'infini, le près, le loin, peut-on avoir plusieurs espaces de vision à la fois ? qu'est-ce qui apparait ou disparait ?  Est-ce le flou de la vitesse (photos prises depuis la vitre d'un train, d'une voiture). Rapport de la vision de l'oeil du spectateur et d'un tableau qui fige un instant précis.
Référence à Gerad Richter et ses peintures floues.

L'espace public/ l'espace privé : 
Quelle est la frontière entre l'espace public et l'espace privé, quels sont-ils ? Comment les matérialiser, ou les "immatérialiser",  sous quelles formes, quels matériaux et quelle organisation de l'espace. Vous pouvez utiliser des techniques plastiques mixtes, photos et dessin, fusain et collages, cartons et films transparents....) Voyez aussi le statut des oeuvres d'art : sont -elles publiques ou privées... quand elles sont dans un jardin ou sur une place, dans un Musée ? Vous travaillez donc aussi sur l'espace, la  mise en espace et le cadrage.
Référence à long term parking d'Arman qu'on ne peut pas voir, car située dans un espace privé.

Patrimoine architectural  ou patrimoine urbain : 
L'architecture 1 : Utilisez des photos de monuments que vous avez photographiés vous-même,  des dessins que vous ferez, des peintures, des gros plans, des plans rapprochés, ou d'ensemble, des cartographies d'un lieu, d'un quartier, ou d'une région... L'espace de votre support doit également tre architecturé, construit. Utilisez tout ce qui peut donner lieu à une cohérence  pour  développer vos arguments de construction d'un ensemble. Votre image doit etre graphique et/ou picturale.  
L'architecture 2 : Dessinez et peignez : au fusain, au crayon à bille, au crayon à papier, à la peinture noire et blanche,  des vues de maisons, de détail d'architecture, détails de balcons, escaliers, fenêtres, coin de rues, toits, porches, détails de portes....et  présentez vos productions en une composition homogène construite.  Essayez d'insérer également vos croquis et esquisses.
Références à : Oscar Niemeyer (siège du PC et Monument pour la paix à Paris),  Mallet Stevens ( Boulogne),  Le Corbusier ( La Cité radieuse de Marseille), Jean Nouvell ( Musée du Quai Branly), Enzo Piano, Pei ( Pyramide du Louvre)
 
L'art dans la ville :    
photos et/ou des croquis de monuments artistiques styles statues, fontaines, oeuvres d'art dans la ville. Plans d'ensemble et gros plans. (cherchez des lieux sur Internet, regardez à "tramway T3" ; des oeuvres sont exposées sur le parcours du tramway, Regardez dans les jardins, le long des quais de la Seine, autour de vous dans votre quartier, cherchez des oeuvres dans l'espace public. Mettez en page vos photos imprimées suivant une présentation définie par vous. Ce qui vous donnera l'occasion de parler des artistes qui les ont fabriquées, de la commande publique de l'état et des mouvements artistiques auxquels ces oeuvres appartiennent (tout est sur internet). Racontez ce que vous en avez ressenti, déduit, trouvé, comment vous avez choisi d'en rendre compte, les implications de l'art avec le réel, l'intégration dans l'espace urbain, la relation avec les habitants, les passants, est-ce que ça améliore le mode de vie, l'ambiance, change le regard  ?....Allez-y, impliquez-vous. Racontez des anecdotes du  parcours, réflexions des gens. Faites un travail collectif si vous le voulez mais vous devez le  présenter chacun individuellement,  chacun avec ses propres photos et sa propre scènographie.
 
 
La femme :   
Est-elle seulement une image de magazine de mode ( image de la pub) ou simplement l'image de la mère, (mère patrie (exemple la statue de la liberté, la statue de la république, la liberté guidant le peuple de Delacroix). Les institutions sont féminisées, sous entendant qu'elles appartiennent comme la femme à quelqu'un, ici au peuple, donc dominées par l'homme. Mais qu'est-ce que ça veut dire aujourd'hui ? A-t-elle un métier, une voix, un poids, un rôle dans la société ? Comment  matérialiser son poids, sa forme, sa voix, son rôle, sa place... un point noir sur une feuille blanche ? Quel espace à votre avis occupe-t-elle dans la société et sur votre support  ? .

Olympes de Gouges de Nam June Paik (oeuvre du programme). aux "Nanas" de Niki de Saint Phalle, aux femmes grosses de Botéro (sculpteur) Sophie Calle et ses performances, 

Le métier choisi :
Quel métier s'offre à vous, comment le montrer et lui donner forme ? Portraits symboliques. Collages de photos, d'écritures de cours, d'apprentissages, de tubes de labo et de gants, de seringues et de boites médicales, de formule chimiques pour la bio - dessins et photos de meubles, objets plastiques et couleurs pour le design -  de tissus, boutons, fils et centimètres pour la mode -  de fil de fer, fil électrique, tournevis, clous, vis, prises, planchettes, pour électricien ( voir Mario Merz pour l'igloo, Francis Picabia et Kurt Shwitter pour des portraits symboliques, Arcimboldo pour les portraits faits de fruits et légumes en peinture,) - de banche vidéos, bande sons, audio, K7 cassées, brisées, CD collés, partitions déchirées et collées, images et dessins de pianos ou d'instruments divers pour la musique (violoniste à la fenêtre de Henri Matisse (peinture), Guitare de Picasso (collages 1913) (Arman et ses accumulations de violons, voir son site officiel ; Profitez pour parler de lui en tant que partie des trois oeuvres obligatoires à connaître) - Utilisez les techniques plastiques mixtes, peinture, fusain, collages, insertion d'objets.

Le mouvement :  
La gestuelle, le vent, l'image rapide, le train qui passe, les piétons qui marchent, le métro qui roule, les voitures qui défilent.... Vous pouvez faire un film de 1 à 3 minutes maxi monté et travaillé proprement sur logiciel Movie Maker. Cela peut être un match de footretravaillé sur PC ou  des sportifs en mouvement, répétitif ou remontés.

Eadweard Muybridge, Marcel Duchamp "le grand nu descendant l'escalier."

La vidéo :  vous devrez imprimer quelques images essentielles, les présenter sur une planche format raisin aou demi-raisin ainsi qu'un scénario ( quelques lignes décrivant ce que vous voulez montrer) et comment (quelques croquis fait au crayon), également présentés sous une forme artistiquement agréable à l'oeil. Faites références aux courts métrages, aux reportages, aux documentaires, à l'image en mouvement, Voyez les premiers films des Freres Lumière à la sortie des usines quand ils ont découvert le cinéma. Le court métrage sur les Chaussons de Picasso, ou de Charlie Chaplin, Les photos de Uri Gersht prises depuis la vitre d'un train.  

Dessinez  danseuses, danseurs, mouvement du vent, de la tempête, gestuelle du pinceau, du crayon, vitesse d'une course de voiture....travaillez sur le geste pictural, la vitesse du pinceau, le jet d'encre ou de peinture. ( Rapport à l'expressionnisme abstrait américain avec Jackson Pollock, Joan Mitchell, Sam francis,etc...)

L'ombre :  
Signifier les gens et les choses par l'ombre. La présence pure de l'ombre renvoie à la matérialité pure. Il y a ombre parce qu'il a matière. L'art plastique use de la matière mais elle n'est pas matière, Une oeuvre d'art fait-elle de l'ombre ? (statues, tableaux, installations, performances humaines) Vous montrerez la part de l'ombre.La photographie utilise les ombres (Henri Cartier bresson, Robert Doisneau) parce qu'elle utilise la lumière. L'ombre est-elle indissociable de la lumière, iy-a-t-il des ombres dans la nuit ? Comment le montrez-vous, par quels procédés, collages de papiers blancs et noirs, fusain, photos, ombres portées.... quelle mise en espace appropriée.? Des peintres comme Picasso ou Gérard Fromanger se sont représentés en ombre dans leurs propres tableaux. Acte de présence ?

le statut de l'image : 
Trafiquée, retravaillée sur ordinateur, l'image présentée est pure invention et création et ne représente plus qu'elle -même, loin de celle du miroir ou de la photo instantanée, elle éloigne encore plus de la réalité... Les magazines, les images numériques, les publicités... un travail personnel sur son propre portrait. ( Rapport à Andy Wharol, Hillen Sean et surtout Nam June Paik et son travail sur l'impact de l'image, en profiter pour parler de Nam June).Sur le CD, non rewrittable,  montrer son travail de recherche en film, ses images captées préliminaires, ses recherches, sa documentation dans un dossier appelé "documents". Un autre intitulé "oeuvre aboutie", montrer votre film.  Pour le dossier, faire des arrêts sur images et les imprimer. Mettre en page. 

Le minimalisme : 
Peu de choses, peu d'objets, le vide comme support, l'essentiel est dans le concept comme La danseuse de Miro de 1928, le X noir sur fond blanc de Malevitch, les rayures de Paul Buren, les carrés de Toroni. Voyez le mouvement de " l'Arte povera", faire de l'art avec pas grand chose et de minimaliser un concept que vous devrez expliquer. N'oubliez pas la poésie de l'image et son pouvoir d'évocation.

 
Les matériaux :  

 
Travailler avec les matières, carton, papier alu, tissus, ferrailles, bois, déchirures de journaux,  produire une œuvre abstraite à partir de matériaux assemblés.  L’abstrait étant un assemblage de formes géométriques, apparemment hétéroclites mais qui, une fois assemblées, doivent produire un ensemble construit. ou la Sculpture. En ce cas vous devrez apporter une présentation photograhpique de votre ravail

Les  masques :  

 A quoi servent-ils ? Quand sont-ils apparus, Dans l'art grec, le théatre, l'art maya, l'art africain. Le carnaval, que cachent-ils et que dévoilent-ils... Jouez sur la qualité de la matière et du pictural, de la représentation , mais aussi sur la forme, sur la grandeur, sur la mise en espace, sur la possibilité qu'ils puissent se soulever et dévoiler un autre visage....

La pesanteur / l'apesanteur : 
 le lourd, le léger,  le transparent et l'opaque, par quels différents procédés de peinture, dessin, collages et/ou assemblages, superpositions de matériaux...) L'espace par les superpositions, les plans différents, les volumes.

Le plein/ le vide, la trouée/la découpe, la déchirure, le paysage, le portrait, l'autoportrait, les scènes de genre, la guerre/la paix, l'écologie/préserver la planète, les problèmes de la société. Les contrastes, les opposés.

Attention vous ne devez pas dépasser 3 cm d'épaisseur.

La photographie : 

Sous toutes ses formes : reportages, artistiques, retravaillées sur  photoshop (payant),  photofiltre et ou  Gimp se téléchargent gratuitement. Travaillez le thème sous toutes ses angles de points de vue, le cadrage, le point de vue, la lumière, le flou. 

Allez sur les sites de photo tels que

www. galeriephoto.com
Wikipédia, portail de la photographie.

ETC......